Auteur/autrice : Thierry Fournier

EnsadLab Displays et le Centre photographique d’Île-de-France (CPIF) invitent à une rencontre avec Barbara Breitenfellner (artiste, Berlin) et Stéphanie Jamet (historienne d’art, ENSA Bourges).

Le vendredi 21 juin 2019 de 18h à 20h, 
Ensad, 31 rue d’Ulm 75005 Paris, salle 308

Manifestation en écho avec l’exposition de l’artiste au CPIF (2 mai – 13 juillet 2019), www.cpif.net

Rêver l’exposition
Un « dépaysement systématique »

Barbara Breitenfellner note ses rêves et utilise ceux qui parlent d’exposition pour en faire un protocole. Ses expositions / installations relèvent d’un « dépaysement systématique », pour citer Max Ernst qui citait lui-même André Breton à propos du collage. Quand le rêve n’est pas le sujet, mais le mode opérationnel de l’exposition, ce sont le regard et le spectateur qui sont dépaysés, mais surtout l’artiste. Le groupe de recherche EnsadLab Displays a rencontré l’artiste à plusieurs reprises en amont de son exposition personnelle au CPIF. Souhaitant ensuite expérimenter le fait d’être exposé aux rêves de l’artiste, le groupe a passé une nuitée dans l’exposition elle-même, et organise enfin cette rencontre. Quand le spectateur dort dans l’exposition, devient-il figure de l’exposition, regardé par celle-ci comme objet du désir ?  Et si aujourd’hui, toujours selon Jamet, « le sommeil […] est devenu le signe de la création dynamique », que résulte-t-il d’une rencontre de dormeuses et dormeurs dans une exposition ? Cette invitation autour de la question « comment rêver l’exposition ? » permettra d’approfondir la question de l’exposition en art.

*

Barbara Breitenfellner 

est une artiste allemande née à Kufstein, en Autriche, en 1969. Elle vit et travaille à Berlin depuis 2001. Barbara Breitenfellner rêve ses installations, au sens propre, et les recense dans un cahier de notes nocturnes. Les énoncés servent de point de départ à une mise en scène distanciée, où imaginaire et fantasme livrent des énigmes savamment orchestrées dans l’espace de nombreuses expositions, du Hartware MedienKunstVerein de Dortmund (2011) au Confort Moderne à Poitiers (2011), du Autocenter à Berlin (2008) au Clemens-Sels-Museum à Neuss (2015).

Stéphanie Jamet-Chavigny 

est historienne de l’art, titulaire d’un doctorat de l’université de la Sorbonne Paris IV. Elle enseigne actuellement à l’ENSA Bourges. Ses travaux interrogent l’art de l’assemblage ainsi que la représentation du travail dans une perspective de déproduction. Parmi ses publications : Regards sur le sommeil, co-écrit avec Véronique Dalmasso dans la collection Via Artis aux éditions Le Manuscrit (2015), La syncope dans la performance et les arts visuels, Le Manuscrit (2017).

Le Centre Photographique d’Ile-de-France (CPIF) 

est un centre d’art contemporain conventionné dédié à l’image fixe et en mouvement. Il soutient les expérimentations des artistes français ou étrangers par la production d’œuvres, l’exposition et l’accueil en résidences. Il est attentif aux relations que la photographie contemporaine entretient avec les autres champs de l’art, notamment l’image en mouvement, l’installation, le numérique… T

EnsadLab Displays

Coordonné par Thierry Fournier (artiste et curateur) et développé avec J. Emil Sennewald (critique et journaliste), EnsadLab Displays est dédié à la recherche – création sur les enjeux et formes contemporaines de l’exposition.

Série de 4 rencontres, groupe de recherche EnsadLab Displays & Labex ICCA
Du 18 octobre 2018 au 15 janvier 2019

Organisé à l’Ensad, ce programme a réuni chaque fois deux invité·es en dialogue avec le groupe Displays et le public. Chacune de ces pages donne accès à la description et à l’enregistrement audio intégral de la rencontre :
– Small is Powerful le 18 octobre, avec Juliette Fontaine (Capa Aubervilliers) et Julie Portier (La Salle de Bains, Lyon),
– En réseau le 14 novembre, avec Lucie Orbie (50° Nord) et David Quilés Guilo (The Wrong Biennale),
– Jouer collectif le 29 novembre avec Clémence Agnez (Glassbox) et un·e membre du collectif &Nbsp; (Clermont-Ferrand),
– La Grande échelle le 15 janvier, avec Sylvie Boulanger (CNEAI) et François Quintin (Lafayette Anticipation).

Dans le sillon des contre-cultures, du « do it yourself » et des artist run spaces, un nombre important de lieux et réseaux créent des expositions dans des conditions exogènes vis-à-vis des institutions. On s’intéresse ici particulièrement aux expositions, plutôt qu’à la production qui peut davantage concerner les friches. Ces initiatives s’inscrivent dans un contexte numérique lié notamment aux réseaux sociaux et aux plateformes comme les tiers-lieux. Ils dessinent une « ère du dehors » où l’investissement d’espaces inédits fait levier pour inventer des libertés d’expérimentation.

Les quatre rencontres Exocène accueillent des responsables de lieux et dispositifs qui créent des conditions singulières d’expérimentation pour les expositions. Parfois – mais pas toujours – menés dans des économies précaires, ils se caractérisent souvent par des modes de relations très spécifiques à leurs territoires. Pensés en alternative aux dispositifs institutionnels devenus parfois moins opérants dans leur contexte, visant à faire levier pour inventer des conditions et pratiques publiques de l’art, ces cadres renouvellent-ils le potentiel des expositions qu’ils accueillent ? Quelle est la spécificité des relations qu’ils instaurent avec leurs environnements et le public ? Quels obstacles rencontrent-ils ? Comment développer des contre-espaces tout en luttant pour leur nécessaire reconnaissance ?

Organisateurs

Dirigé par Thierry Fournier et J. Emil Sennewald, Displays est un groupe de recherche d’EnsadLab, premier en France dédié à la recherche-création sur l’exposition. Il vise à interroger et expérimenter les formes et les enjeux des expositions contemporaines : évolution des objets exposés (au sens large), des rôles, espaces et temporalités des expositions, positionnements critiques vis-à-vis des pouvoirs et industries culturelles. Son activité comprend deux volets : une approche de recherche par l’exposition, qui déploie des situations d’exposition comme moments de recherche sur ses enjeux ; et des échanges publics avec les acteurs de ce champ (colloques, rencontres, publications). Ces dernières adoptent chaque fois délibérément des protocoles et échelles bien spécifiques visant à qualifier les modalités d’interactions entre ses invité·es pour les adapter aux sujets abordés et aux méthodes de travail qu’ils relatent.

Le Laboratoire d’Excellence ICCA (Industries Culturelles et Création Artistique) est un laboratoire de recherche interdisciplinaire centré sur les pratiques et les marchés de la culture, de l’art et des loisirs. Créé en 2011, ICCA a pour principaux objectifs la définition de nouveaux modèles économiques et de régulation, l’étude des nouveaux usages et des marchés émergents et celle de la transformation des cadres juridiques, aussi bien dans les secteurs traditionnels que dans l’univers numérique.ICCA rassemble des équipes de plusieurs universités appartenant à différentes disciplines (sociologie, économie, droit, communication, sciences de l’éducation, design). ICCA est aussi un lieu de dialogue avec les organismes professionnels et les acteurs industriels des secteur de la culture et des arts. ICCA est un programme de recherche financé par le programme « Investissement d’Avenir ».

Photographie : courtesy Lafayette Anticipations

Le groupe de recherche EnsadLab Displays et le Labex ICCA reçoivent Sylvie Boulanger, commissaire et directrice fondatrice du CNEAI et François Quintin, directeur délégué de Lafayette Anticipation. Exocène est un cycle de quatre rencontres organisées par EnsadLab Displays et le Labex ICCA, consacré aux nouveaux contextes d’expérimentation pour les expositions en art. Cette rencontre visera à interroger les potentialités spécifiques d’expérimentation suscitées par des établissements à grande échelle, à la fois de par les moyens importants qu’ils déploient mais aussi par l’envergure internationale de leur activité. Cette dimension est-elle pleinement compatible avec le déploiement d’une activité expérimentale, et comment ?

Mardi 15 janvier 2019
EnsAD, 31 rue d’Ulm 75005 Paris

Capture audio de la rencontre :

Le CNEAI est un centre national d’art contemporain qui, depuis 20 ans, invite des artistes émergents ou reconnus en lien avec des questions de société, qui revendiquent l’expérience du sensible dans tous les domaines de l’activité humaine. Scène ouverte à la création de communautés, le Cneai accélère les projets des artistes qui développent de nouvelles autonomies économiques et culturelles, dans le cadre de pratiques, souvent collaboratives et toujours décloisonnées : pratique éditoriale, graphique, numérique, sociale, d’écriture, de musique, de production, etc. Le Cneai défend une utilité culturelle, un service au public et invente de nouveaux modèles de production et de transmission des formes artistiques, qui bousculent les catégories disciplinaires et impliquent tous les publics dans les projets artistiques, depuis la rencontre de l’artiste jusqu’à la diffusion des œuvres. Installé depuis 2017 aux magasins généraux à Pantin, le Cneai inaugure un nouveau programme de création, de transmission et de recherche dans le contexte du Grand Paris, avec une cinquantaine de partenaires nationaux, internationaux et de proximité. Il organise des expositions in situ et hors les murs, un programme “habiter l’exposition”, des résidences, projets de recherche et publications.

Lafayette Anticipation est une fondation d’intérêt général structurée autour de son activité de production et de soutien à la création dans son ensemble. Elle est un catalyseur qui offre aux artistes des moyens sur-mesure uniques pour produire, expérimenter, et exposer. Elle fédère les actions de soutien à la création contemporaine menées par les deux organismes d’intérêt général créés par le Groupe Galeries Lafayette et sa famille actionnaire en 2013 : la Fondation d’entreprise Galeries Lafayette et le Fonds de dotation Famille Moulin. Depuis son ouverture, le 10 mars 2018, la Fondation est le premier centre pluridisciplinaire de cette nature en France. Dans son bâtiment du XIXe siècle réhabilité par Rem Koolhaas et situé dans le Marais, un dispositif curatorial présentera des œuvres nouvelles de créateurs internationaux issus des champs de l’art contemporain, du design et de la mode. De 2013 à 2017, durant le processus de réhabilitation de son bâtiment, Lafayette Anticipations a questionné, à travers des invitations à la production, des workshops, des partenariats et des soutiens directs à la production l’identité en devenir de la Fondation. Ce programme de préfiguration s’est illustré par des événements directement organisés par Lafayette Anticipations (Les Prolégomènes, Venir Voir Venir, Faisons de l’inconnu un allié, Composer les mesures de son espace) ou par des projets menés avec des institutions partenaires (Centre Pompidou, Archives nationales, Kunsthalle Basel, MoMA PS1, Performa, New Museum…). Lafayette Anticipations apporte également son soutien à la création contemporaine par le biais du Fonds de dotation Famille Moulin, qui met en place des actions de soutien à des projets artistiques d’intérêt général tout en poursuivant une politique d’acquisition et de valorisation de sa collection depuis sa création en 2013.

Photographie © Andrea Rossetti

Exocène

Série de rencontres, groupe de recherche EnsadLab Displays & Labex ICCA

Dans le sillon des contre-cultures, du « do it yourself » et des artist run spaces, un nombre important de lieux et réseaux créent des expositions dans des conditions exogènes vis-à-vis des institutions. On s’intéresse ici particulièrement aux expositions, plutôt qu’à la production qui peut davantage concerner les friches. Ces initiatives s’inscrivent dans un contexte numérique lié notamment aux réseaux sociaux et aux plateformes comme les tiers-lieux. Ils dessinent une « ère du dehors » où l’investissement d’espaces inédits fait levier pour inventer des libertés d’expérimentation.

Les quatre rencontres Exocène accueillent ainsi des responsables de lieux et dispositifs qui créent des conditions singulières d’expérimentation pour les expositions. Parfois – mais pas toujours – menés dans des économies précaires, ils se caractérisent souvent par des modes de relations très spécifiques à leurs territoires. Pensés en alternative aux dispositifs institutionnels devenus parfois moins opérants dans leur contexte, visant à faire levier pour inventer des conditions et pratiques publiques de l’art, ces cadres renouvellent-ils le potentiel des expositions qu’ils accueillent ? Quelle est la spécificité des relations qu’ils instaurent avec leurs environnements et le public ? Quels obstacles rencontrent-ils ? Comment développer des contre-espaces tout en luttant pour leur nécessaire reconnaissance ?

Organisé à l’Ensad, ce programme est composé de 4 rencontres réunissant chaque fois deux invité·es en dialogue avec le groupe Displays et le public : Small is Powerful le 18 octobre, avec Juliette Fontaine (Capa Aubervilliers) et Julie Portier (La Salle de Bains, Lyon), En réseau le 14 novembre, avec Lucie Orbie (50° Nord) et David Quilés Guilo (The Wrong Biennale), Jouer collectif le 29 novembre avec Clémence Agnez (Glassbox) et un·e membre du collectif &Nbsp; (Clermont-Ferrand), La Grande échelle le 15 janvier, avec Sylvie Boulanger (CNEAI) et François Quintin (Lafayette Anticipation).

Organisateurs

Dirigé par Thierry Fournier et J. Emil Sennewald, Displays est un groupe de recherche d’EnsadLab, premier en France dédié à la recherche-création sur l’exposition. Il vise à interroger et expérimenter les formes et les enjeux des expositions contemporaines : évolution des objets exposés (au sens large), des rôles, espaces et temporalités des expositions, positionnements critiques vis-à-vis des pouvoirs et industries culturelles. Son activité comprend deux volets : une approche de recherche par l’exposition, qui déploie des situations d’exposition comme moments de recherche sur ses enjeux ; et des échanges publics avec les acteurs de ce champ (colloques, rencontres, publications). Ces dernières adoptent chaque fois délibérément des protocoles et échelles bien spécifiques visant à qualifier les modalités d’interactions entre ses invité·es pour les adapter aux sujets abordés et aux méthodes de travail qu’ils relatent.

Le Laboratoire d’Excellence ICCA (Industries Culturelles et Création Artistique) est un laboratoire de recherche interdisciplinaire centré sur les pratiques et les marchés de la culture, de l’art et des loisirs. Créé en 2011, ICCA a pour principaux objectifs la définition de nouveaux modèles économiques et de régulation, l’étude des nouveaux usages et des marchés émergents et celle de la transformation des cadres juridiques, aussi bien dans les secteurs traditionnels que dans l’univers numérique.ICCA rassemble des équipes de plusieurs universités appartenant à différentes disciplines (sociologie, économie, droit, communication, sciences de l’éducation, design). ICCA est aussi un lieu de dialogue avec les organismes professionnels et les acteurs industriels des secteur de la culture et des arts. ICCA est un programme de recherche financé par le programme « Investissement d’Avenir ».

Photographie : Alison Knowles, Make a Salad, performance dans le cadre de l’ouverture de l’exposition House of Dust, Cneai = 2017. Une salade pour 200 personnes.

« Dès qu’il est saisi par l’écriture, le concept est cuit. » Jacques Derrida

Avec :
Damien Airault – Critique d’art et curateur, doctorant à Paris 8
Sarina Basta – Curatrice, Confort Moderne, Poitiers
Bettina Blanc-Penther – Artiste-chercheuse, doctorante EnsadLab
Jagna Ciuchta – Artiste, doctorante aux Beaux-arts de Paris, membre de SACRe à l’université PSL / le Laboratoire (EA 7410)
Marianne Derrien – Critique d’art et curatrice, vice-présidente de C-E-A, chargée de cours à Paris 8.
Nathalie Desmet – Enseignante-chercheuse (Paris 8), critique d’art et curatrice
Thierry Fournier – Artiste et curateur, responsable du groupe de recherche EnsadLab Displays
Antony Hudek – Curateur et responsable des études curatoriales à la l’Académie Royale des Beaux-Arts de Gand (KASK)
Inés Moreno – Artiste-chercheuse, doctorante EnsadLab
Céline Poulin – Critique d’art et directrice du CAC-Brétigny,
J. Emil Sennewald – Critique d’art, enseignant-chercheur, ESACM, co-coordinateur EnsadLab Displays
Fanny Terno – Artiste-chercheuse, doctorante EnsadLab

Le cycle de trois rencontres « Écrire l’exposition ? : Pratiques, méthodes, recherches » s’inscrit dans le prolongement d’un programme de recherche initié par le groupe de recherche Ensadlab Displays (Thierry Fournier et J. Emil Sennewald), le laboratoire AIAC – EA 4010 : Arts des images et art contemporain (Nathalie Desmet) de l’université Paris 8 et C-E-A l’association française des commissaires d’exposition (Damien Airault et Marianne Derrien). Il associe des recherches scientifiques et curatoriales sur l’exposition et un groupe de recherche-création par l’exposition.

Plus précisément ce cycle s’appuie sur le constat d’une séparation entre les études curatoriales pensées comme un nouveau type de savoir académique (recherches sur l’exposition), ou comme une pratique théorique (Simon Sheikh), et les projets artistiques de recherche-expérimentation réalisés avec l’exposition. Il s’appuie sur la diversité des approches y compris dans leur dimension de formation et sur l’impact d’une pensée formée par l’écriture sur ces pratiques.

La journée du 17 décembre sera l’occasion d’un questionnement transversal autour de l’exposition et de la recherche curatoriale comme opérations d’écriture. Nous nous demanderons si l’exposition ou le projet curatorial peut être un lieu de recherche, et de quelles manières il est assimilable à une forme d’écriture ou de discours.

Programme

9h30 – Accueil des participants

Matinée : Qu’entend-on par recherche curatoriale ?
10h – 10h30 – Introduction de la journée
10h30 – 11h30 – Discussion – table ronde avec tous les participant·es et le public
11h30 – 11h45 – Pause
11h45 – 12h30 – Bettina Blanc-Penther, Inés Moreno et Fanny Terno – Écriture et recherche-création par l’exposition
12h30 – 13h15 – Damien Airault et Sarina Basta – Transdisciplinarité et exposition – quelles écritures ?

13h15 – 14h45 – Déjeuner
Après-midi : Comment écrire avec, pour, par l’exposition ?

15h00 – 15h15 – Synthèse des échanges du matin
15h15 – 16h – Céline Poulin et Jagna Ciuchta – L’exposition co-construite ?
16h – 16h15 – Pause
16h15 – 17h00 – Antony Hudek et Nathalie Desmet – Qu’est-ce que la recherche curatoriale, comment la transmettre ?
17h00 – 17h30 – Conclusion

À propos

Le cycle Exposition Écritures Recherche naît d’une association entre des recherches scientifiques et curatoriales sur l’exposition (C-E-A, Paris 8) et un groupe de recherche-création par l’exposition (EnsadLab Displays). Il vise à questionner l’exposition et sa recherche comme opération d’écriture, en soulevant les situations de transition et de transgression qu’elle peut susciter.

Forme : conférences-ateliers et expérimentations d’expositions

Calendrier et organisation : hiver 2018 à printemps 2019. Trois journées semi-publiques sur inscription avec intervenant·e·s, expérimentateur·e·s et discutant·e·s

Équipes : C-E-A (Damien Airault, Marianne Derrien), EnsadLab Displays (Thierry Fournier, J. Emil Sennewald, Inès Moreno, Bettina Blanc-Penther, Fanny Terno), Paris 8 (Laboratoire AIAC – Nathalie Desmet)

Lieu partenaire : Cité internationale des arts – Paris

Le groupe de recherche EnsadLab Displays et le Labex ICCA reçoivent Clémence Agnez (curatrice et philosophe, co-coordinatrice de Glassbox, Paris) et et des membres du collectif Non-Breaking Space (Hervé Bréhier, Sébastien Maloberti, Marion Robin et Marjolaine Turpin) à Clermont-Ferrand. Exocène est un cycle de quatre rencontres organisées par EnsadLab Displays et le Labex ICCA, consacré aux nouveaux contextes d’expérimentation pour les expositions en art. Cette troisième rencontre est dédiée aux expériences menées par deux structures collectives, dont on évoquera ainsi les potentialités et problématiques spécifiques.

Jeudi 29 novembre 2018
EnsAD, 31 rue d’Ulm 75005 Paris

Capture audio de la rencontre :

La Tôlerie, ancien garage réhabilité en 2003 à l’initiative de la ville de Clermont-Ferrand, accueillait jusqu’à présent des commissaires d’expositions pour imaginer et mettre en œuvre une programmation d’art contemporain. Aujourd’hui, la ville de Clermont-Ferrand a choisi de prêter sa confiance à trois associations clermontoises (Artistes en résidence, In Extenso et Les Ateliers) regroupées en une quatrième : Non-breaking space (&nbsp). À la demande de la municipalité, Non-breaking space dessinera sur les trois prochaines années un projet spécifique et inédit pour l’espace d’art contemporain la Tôlerie. Les vernissages et temps conviviaux vont s’enchainer au rythme des pleines lunes. Ils mettront en rapport des invitations, des collaborations, des partenariats. Le projet dans son ensemble sera découpé en trois temps, trois saisons qui articulent et mettent en dialogue l’apparition successive des trois composantes de cet espace : la lumière, le sol, les murs, faisant de l’espace lui-même le sujet principal. Des rubriques, de natures différentes, viendront également marquer une autre temporalité, convoquant divers registres d’activités, ainsi que plusieurs formes d’apparitions et de narrations.

Glassbox est une association à but non-lucratif qui vise à promouvoir la création contemporaine émergente en arts. Gérée par des artistes qui administrent l’espace d’art du 4 rue Moret, elle permet à de jeunes créateurs d’accéder à une forme de visibilité spécifique à chaque démarche et oeuvre à proposer des formats hybrides de production et de diffusion de l’art contemporain. Attachée à rendre visible la création émergente, l’équipe de Glassbox est elle-même composée de jeunes artistes. Elle n’a cessé de se modifier tout au long de ses quinze années d’activité, à la fois dans le but de se maintenir au plus près des réseaux de jeunes diplômés d’école d’art, mais aussi pour permettre à ses membres, une fois devenus plus confirmés, de se consacrer pleinement à leur démarches personnelles. Le bureau de départ comptait des noms qui ont fait date par la suite, comme Yann Kopp ou Stéphane Doré, puis les rangs de l’association ont été tenus entre autres par Elfie Turpin, Nicolas Tilly, Nicolas Julliard, Oriol Nogues, le collectif 1.0.3., Sabrina Issa, Stéphane Despax, Emilie Schalck, etc. L’équipe est aujourd’hui composée de Clémence Agnez, Margaux Estivill, Alisson Haguenier et Adrienne Louves accompagnés d’invités et collaborateurs.

Exocène

Série de rencontres, groupe de recherche EnsadLab Displays & Labex ICCA

Dans le sillon des contre-cultures, du « do it yourself » et des artist run spaces, un nombre important de lieux et réseaux créent des expositions dans des conditions exogènes vis-à-vis des institutions. On s’intéresse ici particulièrement aux expositions, plutôt qu’à la production qui peut davantage concerner les friches. Ces initiatives s’inscrivent dans un contexte numérique lié notamment aux réseaux sociaux et aux plateformes comme les tiers-lieux. Ils dessinent une « ère du dehors » où l’investissement d’espaces inédits fait levier pour inventer des libertés d’expérimentation.

Les quatre rencontres Exocène accueillent ainsi des responsables de lieux et dispositifs qui créent des conditions singulières d’expérimentation pour les expositions. Parfois – mais pas toujours – menés dans des économies précaires, ils se caractérisent souvent par des modes de relations très spécifiques à leurs territoires. Pensés en alternative aux dispositifs institutionnels devenus parfois moins opérants dans leur contexte, visant à faire levier pour inventer des conditions et pratiques publiques de l’art, ces cadres renouvellent-ils le potentiel des expositions qu’ils accueillent ? Quelle est la spécificité des relations qu’ils instaurent avec leurs environnements et le public ? Quels obstacles rencontrent-ils ? Comment développer des contre-espaces tout en luttant pour leur nécessaire reconnaissance ?

Organisé à l’Ensad, ce programme est composé de 4 rencontres réunissant chaque fois deux invité·es en dialogue avec le groupe Displays et le public : Small is Powerful le 18 octobre, avec Juliette Fontaine (Capa Aubervilliers) et Julie Portier (La Salle de Bains, Lyon), En réseau le 14 novembre, avec Lucie Orbie (50° Nord) et David Quilés Guilo (The Wrong Biennale), Jouer collectif le 29 novembre avec Clémence Agnez (Glassbox) et un·e membre du collectif &Nbsp; (Clermont-Ferrand), La Grande échelle le 15 janvier, avec Sylvie Boulanger (CNEAI) et François Quintin, directeur délégué de Lafayette Anticipation.

Organisateurs

Dirigé par Thierry Fournier et J. Emil Sennewald, Displays est un groupe de recherche d’EnsadLab, premier en France dédié à la recherche-création sur l’exposition. Il vise à interroger et expérimenter les formes et les enjeux des expositions contemporaines : évolution des objets exposés (au sens large), des rôles, espaces et temporalités des expositions, positionnements critiques vis-à-vis des pouvoirs et industries culturelles. Son activité comprend deux volets : une approche de recherche par l’exposition, qui déploie des situations d’exposition comme moments de recherche sur ses enjeux ; et des échanges publics avec les acteurs de ce champ (colloques, rencontres, publications). Ces dernières adoptent chaque fois délibérément des protocoles et échelles bien spécifiques visant à qualifier les modalités d’interactions entre ses invité·es pour les adapter aux sujets abordés et aux méthodes de travail qu’ils relatent.

Le Laboratoire d’Excellence ICCA (Industries Culturelles et Création Artistique) est un laboratoire de recherche interdisciplinaire centré sur les pratiques et les marchés de la culture, de l’art et des loisirs. Créé en 2011, ICCA a pour principaux objectifs la définition de nouveaux modèles économiques et de régulation, l’étude des nouveaux usages et des marchés émergents et celle de la transformation des cadres juridiques, aussi bien dans les secteurs traditionnels que dans l’univers numérique.ICCA rassemble des équipes de plusieurs universités appartenant à différentes disciplines (sociologie, économie, droit, communication, sciences de l’éducation, design). ICCA est aussi un lieu de dialogue avec les organismes professionnels et les acteurs industriels des secteur de la culture et des arts. ICCA est un programme de recherche financé par le programme « Investissement d’Avenir ».

Le groupe de recherche EnsadLab Displays et le Labex ICCA reçoivent Lucie Orbie (commissaire d’exposition et secrétaire générale du réseau artistique 50° Nord) et David Quilés Guilló (créateur et responsable de la biennale internationale The Wrong).

Exocène est un cycle de quatre rencontres organisées par EnsadLab Displays et le Labex ICCA, consacré aux nouveaux contextes d’expérimentation pour les expositions en art. Cette rencontre est dédiée à deux plateformes artistiques et curatoriales déployées sur le web et dans des lieux physiques (biennale The Wrong) et dans la région transfrontalière du Nord de la France (50° Nord). Quels modes d’expérimentation et quelles approches critiques spécifiques permettent ces projets ?

Mardi 13 novembre 2018
Rencontre en français et anglais, avec traduction simultanée
EnsAD, 31 rue d’Ulm 75005 Paris

Capture audio de la rencontre
(Lucie Orbie seulement, David Quilés Guillo ayant demandé à ne pas être enregistré) :

Créé en 1997 par de petites et moyennes associations, le réseau 50° Nord fédère aujourd’hui sur le territoire eurorégional plus de 30 structures professionnelles de production, de diffusion et de formation supérieure de l’art contemporain. Galeries associatives, centres d’art, structures nomades, associations d’artistes, musées, les FRAC, établissements de formation… développent des projets artistiques dans des contextes très divers et mènent des actions complémentaires. En tant que plate-forme professionnelle, catalyseur d’énergies et de projets fédérateurs, 50° nord œuvre au rayonnement et à la mise en réseau de ses membres, ainsi qu’à la valorisation de la scène artistique régionale et à la diffusion de l’art contemporain pour le plus grand nombre. Le réseau 50° nord est l’un des premiers réseaux régionaux d’art contemporain créés en France. Les actions transversales de mutualisation et d’expression d’un territoire constituent une nouvelle manière de dessiner la cartographie culturelle et de concevoir les projets artistiques.

Commissaire d’exposition, Lucie Orbie est secrétaire générale du réseau transfrontalier 50° Nord, qui fédère sur le territoire eurorégional (Nord de la France et Belgique) plus de 30 structures professionnelles de production, de diffusion et de formation supérieure de l’art contemporain. Elle a auparavant créé en 2010 Upsilon.li base de données visuelles en ligne et lieu de diffusion en arts visuels. Pendant deux ans, elle y invite de nombreux artistes à questionner l’Internet comme espace de production. En janvier 2012, elle crée Sigma Crtl, base de données dédiée aux artistes, éditeurs et espaces pratiquant le support Internet. Elle préside l’association Vecteur interface, plate-forme de transmission, de recherche et d’expérimentation des pratiques curatoriales contemporaines.

The Wrong est une biennale d’art décentralisée organisée depuis 2013 par son fondateur, David Quiles Guilló, consacrée à l’art numérique. Son objectif est de créer et promouvoir l’art numérique contemporain auprès d’un large public dans le monde entier, tout en réunissant de jeunes artistes et curateurs de la scène numérique contemporaine. The Wrong se produit à la fois en ligne et hors ligne. La partie en ligne de la biennale se déroule dans des « pavillons », espaces de curation sur le web, où sont exposées des œuvres sélectionnées. La partie hors ligne se déroule dans des « ambassades » : espaces d’art, galeries, institutions et artists run spaces dans le monde entier. Pour sa troisième édition en 2017-18, The Wrong a réuni 124 curateurs qui ont sélectionné 1.621 artistes.

David Quiles Guilló est producteur, curateur, artiste et auteur. Il a fondé en 2013 la biennale d’art numérique The Wrong depuis 2013, la maison d’édition Abstract Editions en 2015 et 7tNbjV en 2017, maison d’édition qui se concentre sur la publication de bandes dessinées et de projets artistiques sous forme de livres de poche. Récemment, il a fondé et géré le festival Nova Contemporary Culture (2010-2012) et le magazine d’art visuel Rojo (2001-2011). Il collabore avec de nombreuses institutions culturelles, musées et universités en tant que directeur artistique, programmateur, organisateur d’expositions, commissaire, promoteur d’événements, conférencier ou animateur d’ateliers : MIS Museum for Image and Sound, SESC et Cinemateca Brasileira – São Paulo (Brésil), SAIC, School of the Art Institute – Chicago (USA), Instituto Cervantes – New York City (USA) São Paulo (Brésil) et Casablanca (Maroc), Centre d’Art Santa Monica, Hangar – Barcelone (Espagne), Museo Reina Sofia, Circulo de Bellas Artes, IED et ARCO – Madrid (Espagne), etc.

Exocène

Série de rencontres, groupe de recherche EnsadLab Displays & Labex ICCA

Dans le sillon des contre-cultures, du « do it yourself » et des artist run spaces, un nombre important de lieux et réseaux créent des expositions dans des conditions exogènes vis-à-vis des institutions. On s’intéresse ici particulièrement aux expositions, plutôt qu’à la production qui peut davantage concerner les friches. Ces initiatives s’inscrivent dans un contexte numérique lié notamment aux réseaux sociaux et aux plateformes comme les tiers-lieux. Ils dessinent une « ère du dehors » où l’investissement d’espaces inédits fait levier pour inventer des libertés d’expérimentation.

Les quatre rencontres Exocène accueillent ainsi des responsables de lieux et dispositifs qui créent des conditions singulières d’expérimentation pour les expositions. Parfois – mais pas toujours – menés dans des économies précaires, ils se caractérisent souvent par des modes de relations très spécifiques à leurs territoires. Pensés en alternative aux dispositifs institutionnels devenus parfois moins opérants dans leur contexte, visant à faire levier pour inventer des conditions et pratiques publiques de l’art, ces cadres renouvellent-ils le potentiel des expositions qu’ils accueillent ? Quelle est la spécificité des relations qu’ils instaurent avec leurs environnements et le public ? Quels obstacles rencontrent-ils ? Comment développer des contre-espaces tout en luttant pour leur nécessaire reconnaissance ?

Organisé à l’Ensad, ce programme est composé de 4 rencontres réunissant chaque fois deux invité·es en dialogue avec le groupe Displays et le public : Small is Powerful le 18 octobre, avec Juliette Fontaine (Capa Aubervilliers) et Julie Portier (La Salle de Bains, Lyon), En réseau le 14 novembre, avec Lucie Orbie (50° Nord) et David Quilés Guilo (The Wrong Biennale), Jouer collectif le 29 novembre avec Clémence Agnez (Glassbox) et un·e membre du collectif &Nbsp; (Clermont-Ferrand), La Grande échelle le 15 janvier, avec Sylvie Boulanger (CNEAI) et François Quintin, directeur délégué de Lafayette Anticipation.

Organisateurs

Dirigé par Thierry Fournier et J. Emil Sennewald, Displays est un groupe de recherche d’EnsadLab, premier en France dédié à la recherche-création sur l’exposition. Il vise à interroger et expérimenter les formes et les enjeux des expositions contemporaines : évolution des objets exposés (au sens large), des rôles, espaces et temporalités des expositions, positionnements critiques vis-à-vis des pouvoirs et industries culturelles. Son activité comprend deux volets : une approche de recherche par l’exposition, qui déploie des situations d’exposition comme moments de recherche sur ses enjeux ; et des échanges publics avec les acteurs de ce champ (colloques, rencontres, publications). Ces dernières adoptent chaque fois délibérément des protocoles et échelles bien spécifiques visant à qualifier les modalités d’interactions entre ses invité·es pour les adapter aux sujets abordés et aux méthodes de travail qu’ils relatent.

Le Laboratoire d’Excellence ICCA (Industries Culturelles et Création Artistique) est un laboratoire de recherche interdisciplinaire centré sur les pratiques et les marchés de la culture, de l’art et des loisirs. Créé en 2011, ICCA a pour principaux objectifs la définition de nouveaux modèles économiques et de régulation, l’étude des nouveaux usages et des marchés émergents et celle de la transformation des cadres juridiques, aussi bien dans les secteurs traditionnels que dans l’univers numérique.ICCA rassemble des équipes de plusieurs universités appartenant à différentes disciplines (sociologie, économie, droit, communication, sciences de l’éducation, design). ICCA est aussi un lieu de dialogue avec les organismes professionnels et les acteurs industriels des secteur de la culture et des arts. ICCA est un programme de recherche financé par le programme « Investissement d’Avenir ».

Séminaire introductif proposé dans le cadre de la Station Scénographique par le Master « Direction de projets artistiques et culturels internationaux » de l’Université Lumière Lyon 2, le Master Design de l’École supérieure des beaux-arts de Bordeaux, le Master Design-Espace-Exposition de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon et le Master de Didactique visuelle de la Haute école des arts du Rhin.

23 & 24 Octobre 2018
23 octobre à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon
24 octobre au CFMI – Université Lumière Lyon 2
Coordination Camille Jutant et Patricia Welinsky

Conférence de Thierry Fournier le 23-10 : Curatoriat et design de situations

La Station Scénographique est un atelier sur la scénographie d’exposition à destination des étudiants de Master en design, art et sciences humaines pour questionner et expérimenter le rôle du design dans la médiation des savoirs.
Le programme 2017-2019 s’intéresse aux situations et aux objets propices à la découverte, la connaissance et l’appropriation du savoir scientifique contemporain.

Télécharger le programme complet du séminaire

Septembre 2018 : reprise des visites d’atelier au cours desquelles l’équipe de Displays rencontre les travaux d’artistes travaillant avec d’autres groupes de recherche. Le 26 septembre, rencontre avec Léa Mercier autour de sa pratique.

EnsadLab Displays est heureux d’accueillir Bettina Blanc-Penther et Fanny Terno, nouvelles étudiantes-chercheuses EnsadLab Displays en 2018-2019.

Bettina Blanc-Penther est artiste plasticienne. Diplômée du Fresnoy – studio national des arts contemporains en 2018, elle est titulaire d’un DNSEP à l’Ecole nationale supérieure des arts décoratifs (Paris) en 2015, après des études de Lettres Modernes à l’université Paris IV La Sorbonne.

Fanny Terno est artiste plasticienne. Elle est titulaire en 2018 du DNSEP à l’École Nationale Supérieure de Photographie d’Arles. Elle a réalisé en 2016-2017 un Semestre d’échange au Japon, à la Kyoto art and design university, section photographie et art contemporain, sous la direction de Tadashi Ono. Elle est diplômée de l’École supérieure d’arts appliqués Duperré, Paris en 2014.

Dans le cadre de l’exposition personnelle Machinal, Thierry Fournier
Villa Henry, Nice
Commissaire d’exposition Isabelle Pellegrini
Du 25 mars au 28 avril 2018

Isabelle Pellegrini présente Machinal à la Villa Henry, une exposition personnelle de Thierry Fournier qui fait suite à son accueil en résidence pour la création de En Vigie, associée ici à trois autres œuvres.

Une rencontre était organisée le 24 mars en présence de Thierry Fournier, Isabelle Pellegrini et Fabienne Grasser-Fulchéri, commissaire d’exposition et critique d’art, directrice de l’Espace de l’Art Concret à Mouans-Sartoux. Enregistrement intégral :

Aujourd’hui, de nombreuses images ne sont plus produites en relation immédiate avec l’œil humain, mais réalisées de manière autonome par des machines et des programmes. La plupart de ces « visions assistées » se déploient dans le domaine militaire ou sur le web (Google, Apple, Facebook…), la détection et l’anticipation du comportement employant souvent des moyens similaires à des fins sécuritaires ou mercantiles. Ces « machines intelligentes » analysent les images mais peuvent aussi réaliser des actions autonomes, comme dans le cas des drones. Dans ce contexte, comment se définit encore notre propre regard et où se place notre responsabilité ? Quel est notre rôle lorsque nous avons affaire à des systèmes qui ne prolongent plus seulement notre propre visée mais l’anticipent, voire s’y substituent ? Attendons-nous des machines qu’elles regardent à notre place – voire qu’elles nous regardent et nous définissent ? Que cherche-t-on à voir (ou à ne pas voir) à travers elles ?

La démarche de Thierry Fournier pose fréquemment l’hypothèse fictionnelle que les choses (objets, paysage, réseau, machines…) seraient dotées d’une vie propre, en instaurant des situations de déplacement ou de confrontation avec elles. Avec l’exposition Machinal, il fait dialoguer quatre œuvres où notre regard est indissociable de celui de ces appareils. Le terme de machinal désigne ici aussi bien une pensée qui ne prêterait plus attention à son objet (ou dont l’attention serait absorbée et captée par des dispositifs, comme sur internet) – que le regard produit par les machines elles-mêmes, de manière autonome : machinal comme on dirait animal. Les cadres classiques du regard comme la perspective et l’horizon se redéfinissent alors comme un territoire partagé, voire négocié, entre notre propre vision et celle que des dispositifs déploient sur le monde et sur nous-mêmes.

Andrés Baron
Mirror travelling
Exposition personnelle
Cité internationale des arts, Paris
Commissaire d’exposition Thierry Fournier

Du 16 mars au 7 avril 2018
Galerie de la Cité internationale des arts, 18, rue de l’Hôtel de Ville, 75004 Paris

La Cité internationale des arts présente Mirror Travelling, première exposition personnelle de Andrés Baron en France, qui réunit un ensemble d’œuvres créées par l’artiste entre 2016 et 2018 : films, vidéos, impressions, objets.

Né à Bogotá (Colombie) en 1986, Andrés Baron vit et travaille à Paris. S’appuyant principalement sur la photographie et le film mais aussi sur une production d’objets, sa pratique a notamment pour caractéristique de ne pas en dissocier les sujets selon les médiums, mais au contraire de cultiver leur circulation entre différents espaces de représentation. Des portraits dont les regards et la corporéité sont très présents, empruntant parfois aux stéréotypes des magazines, des éléments naturels (paysages, fruits, ciels…) constituent les motifs récurrents d’un regard qui multiplie les situations de vision comme pour en percer l’intensité. La photographie d’un paysage, pliée ensuite sur le bord d’une table, devient l’objet d’une performance filmée. L’image d’une poire coupée sur un fond blanc est réinjectée dans une photographie, tenue par une femme qui en réactive la promesse de sensualité… Dans ces circulations se joue alors aussi le passage du fixe au mouvement, d’un objet à sa représentation plane puis à la disposition de celle-ci dans un espace, à travers les figures récurrentes du pli, de la rotation, du recadrage et du miroir.

Cependant, la variation des situations ne provoque pas seulement une modification de perception des sujets : c’est l’espace même de la prise de vue qui est chaque fois impliqué, à travers un travail spécifique sur la frontalité des poses, des espaces et des regards qui, associée à une présence constante de la planéité de l’image (qu’elle soit filmique ou photographique), peut parfois évoquer les formes caractéristiques de l’art antérieures à la perspective. En outre, les œuvres d’Andrés Baron sont structurées par un ensemble de choix esthétiques (lenteur des plans, frontalité ou circularité des mouvements d’appareils, étirement des musiques, clarté lumineuse, juvénilité des modèles, ambiguïtés de genre, regards face caméra) qui accentuent la « présentation » de ces corps à l’image. Dans ce sens, à travers leurs dispositifs frontaux ou circulaires, leur absence de narration et leur artificialité délibérée, les films 36 rue d’Ulm, Mirror Travelling, Printed Sunset ou Bettina et fond blanc ouvrent un champ d’une grande ambiguïté, où les sujets filmés paraissent toujours conscients des représentations auxquelles ils participent et des codes qui les animent.

Ainsi, bien qu’employant les formes apparemment classiques du film 16 mm, de la vidéo et de la photographie, le travail d’Andrés Baron témoigne d’une relation à l’image bien postérieure à ces médiums, reconfigurée par les écrans et les réseaux et consciente de leurs effets de surface : toujours face à l’image, mais lui échappant sans cesse.

Thierry Fournier, janvier 2018

Conçu et coordonné par Thierry Fournier et Jean-François Robardet (artistes et curateurs), le projet Collection est la première collection publique en école d’art, à l’ENSAD Nancy.

Le 16 février 2018, les œuvres de Juliette Hippert, Clara Sobieski et Alexandre Villevandre ont été sélectionnées pour intégrer la Collection Artem, première collection publique dans une école d’art en France, à l’École nationale supérieure d’art et de design de Nancy.

Les œuvres ont été choisies par un comité d’acquisition indépendant composé de Maude Maris et Stéphane Thidet (artistes) et Raphaëlle Friot (coordinatrice Artem, secrétaire générale Artem-Nancy), parmi une présélection exposée en février 2018 avec des œuvres de Pierre André, Quentin Gaudry, Mathilde Gérard, Juliette Hippert, Élodie Paupe, Cécile Pétry, Rémy Pommeret, Louison Rivière, Clara Sobieski, Tiphaine Stainmesse, Marianne Thibault, Marina Uribe et Alexandre Vilvandre.

Conçu et coordonné par Thierry Fournier et Jean-François Robardet (artistes et curateurs), le projet Collection s’inscrit dans le cadre de l’Alliance Artem, qui réunit l’École nationale supérieure d’Art et de Design de Nancy, Mines Nancy et ICN Business School. Il a été mené par l’atelier Artem Collection, coordonné par les deux artistes, qui réunit 15 étudiant·es des trois écoles. L’atelier a invité tout·es les étudiant·es de l’école d’art qui le souhaitaient (4e et 5e année) à leur présenter leurs travaux et a sélectionné certains d’entre eux pour l’exposition. Le comité d’acquisition a rencontré les artistes et sélectionné quatre œuvres qui ont fait l’objet d’un achat par Artem. Ces acquisitions sont financées par Artem, Artem Entreprises et l’ENSAD Nancy.

Collection Artem permet à la fois de soutenir les travaux des jeunes artistes dès leur début de carrière, d’inscrire l’action d’Artem dans la durée, tout en constituant un fonds susceptible de se valoriser à long terme. Il introduit au sein d’une école d’art une réflexion et un débat sur les mécanismes de soutien auxquels les jeunes artistes seront confronté·es ultérieurement. 

Atelier Artem Collection 2018 : Thierry Fournier, Jean-François Robardet (artistes et curateurs, coordinateurs), Mathilde Arnal, Alix Bardy, Victoria Clemens, Nabila Halim, Fabien Karp, Pauline Quille, Gil Zinck (ENSAD), Benoît Fergelot, François Fotré, Hirvin Pena-Pitra (Mines Nancy), Mathilde Borges, Léa Coudray, Alice Devès, Manon Fontaine, Jade Nguyen-Choleau (ICN Business School)

École nationale supérieure d’art et de design de Nancy
1 place Charles Cartier-Bresson 54000 Nancy – www.ensa-nancy.fr

Facebook, Instagram, Twitter : collectionartem

Thierry Fournier participe à la journée d’étude « L’artiste et le commissaire, formations, lieux, expositions : partage d’expériences » le 3 février 2018 à l’INHA.

Cette journée d’étude vise à interroger les expériences d’une nouvelle génération de jeunes artistes et professionnel·les de l’art contemporain en matière de formation artistique et curatoriale, de lieu et d’écriture de l’exposition. Organisée par les étudiant·es du master « L’art contemporain et son exposition » de Sorbonne Université dans le cadre d’un partenariat avec l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon, elle constitue un outil et jalon de cette collaboration, qui se prolongera par l’organisation d’une exposition avec les artistes de cette école.

Écoles d’art, apprentissage autodidacte, enseignement français ou international, post-diplômes, le panel des choix en matière de formation est multiple. Alors que les écoles d’art semblent être devenues un passage obligé pour les futur·es artistes, et que les formations professionnelles de curating se sont multipliées, la récurrence de certains modèles mérite d’être questionnée. La vitalité de la création contemporaine peut se forger en dehors des institutions muséales, notamment dans les centres d’art, lieux associatifs et galeries qui constituent autant de plateformes d’expérimentation artistique. Ces structures ont des fonctionnements variés et rencontrent des contraintes matérielles et économiques qui les incitent à repenser les modalités de l’exposition.Conçues par des commissaires, artistes, designers graphiques ou scénographes, les expositions sont élaborés par des acteurs·rices aux profils variés et aux statuts perméables. La mise en commun de ces compétences donne naissance à de nouvelles formes d’écritures, parfois collectives, qui repoussent les limites de l’exposition et en diversifient les formes.

EnsadLab Displays est heureux d’accueillir Inés Moreno comme étudiante-chercheuse en 2017-2018.

Artiste plasticienne, Inés Moreno est diplômée des Beaux Arts de Madrid (Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid) et titulaire en d’un Master 2 Recherche – Histoire et esthétique de la danse (Mémoire: Danse et exposition) à l’Université Paris VIII.

Elle a suivi le post-diplôme Ex.e.r.ce, formation professionnelle d’artiste Chorégraphe sous la direction de Xavier Le Roy et Mathilde Monnier au  Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc-Roussillon. Entre 2010-2012, elle a suivi les cours de doctorat en Histoire de l’art contemporain et culture visuelle au Centro de Estudios du Museo Reina Sofia.