Pour une approche critique croisée de la littérature et des arts contemporains, ce carnet invite à reconsidérer les nouvelles formes de littérature à travers le prisme de l’esthétique (et réciproquement).
Le carnet a pour but de faire état de l’avancée des travaux menés dans le cadre du séminaire, de rassembler les références à même de délimiter des zones de contact entre productions littéraires et artistiques aujourd’hui et les nouvelles formes de textualités qui en découlent. La somme du carnet permet donc d’établir un corpus à la fois littéraire, visuel et théorique sur ce champ émergent afin de le poser comme objet de réflexion et d’étude. En plus des comptes rendus réguliers des séances, le carnet permet de relayer les événements liés à l’approche croisée de la littérature et des arts contemporains (colloques, journées d’études, publications, rencontres, expositions, etc). (…)
Cette rencontre du littéraire et du visuel aboutit à une poïétique qui se manifeste, dans le champ des arts, sous forme de fragments, de fictionnalisations hybrides ou de rapports incomplets en attente d’une reconstruction mentale. Elle aboutit à de nouvelles modalités fictionnelles et visuelles dont le discours culturel, théorique et épistémologique reste à construire pour ces 50 années de « contemporanéité ».
Below is the course MacKenzie Wark offers in the Liberal Studies Masters program at the New School for Social Research this semester. There’s links below to (most of) the blog posts that will serve as lecture notes.
How might twentieth century texts in critical theory be of use in thinking about twenty-first century issues and problems? Do we need to read the accepted classics differently? Are there neglected works that might be more relevant to today’s concerns. We shall cover a wide range of theory topics, including the political, technology, culture and media. All with an eye to getting a grounding in a world where technology has gone digital, where power and influence has shifted away from ‘the west’, and where the Anthropocene scrambles our accepted notions of culture and nature. The course provides a platform for articulating forward-looking reach questions to established literatures.
The artist’s book ‘Foundation for Exhibiting Art & Knowledge’ was published on the occasion of the exhibition ‘R-05.Q-IP.0001’ that was held at Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain. The collaboration between artist Wesley Meuris and Michel Dewilde (curator of the Bruges Cultural Centre) resulted in a volume constructed on the basis of a fictive foundation. Leafing through the book, one encounters a range of documents: from a mission statement to analytical statistics, from architectural exhibition plans to advertisements for exhibition projects. The volume also includes many texts and interviews.
Actually discussed for Kultur der Digitalität which hasn’t been, sadly enough, translated yet, Felix Stadler asked the right questions on the possibilities and the conditions on solidarity in digital conditions in this book, published 2013:
Felix Stalder’s extended essay, Digital Solidarity, responds to the wave of new forms of networked organisation emerging from and colliding with the global economic crisis of 2008. Across the globe, voluntary association, participatory decision-making and the sharing of resources, all widely adopted online, are being translated into new forms of social space. This movement operates in the breach between accelerating technical innovation, on the one hand, and the crises of institutions which organise, or increasingly restrain society on the other. Continuer la lecture de « Digital Solidarity by Felix Stalder »
Near Future Laboratory is a thinking, making, design, development and research practice based in California and Europe. The goal is to understand how imaginations and hypothesis become materialized to swerve the present into new, more habitable near future worlds. Their approach to future research leads to the production of case studies, events, workshops, fast-prototyped apps, innovative algorithms, curious objects, mock-ups, videos, fictional magazines, newspapers, product catalogs and more.
The Libre Graphics Research Unit is a traveling lab where new ideas for creative tools are developed. Its diverse activities range from the practical to the theoretical via writing, research meetings, experimental prototyping, conferences and workshops. The Research Unit is an initiative of four European media-labs actively engaged in Free/Libre and Open Source Software and Free Culture. This cross-disciplinary project involves artists, designers and programmers and is developed in dialogue with the Libre Graphics community.
Beyond the White Cube and the quest for autonomy and specificity that characterized the history of modern and contemporary art, the latest practices of art are implementing strategies of infiltration, immersion and encryption. Compatibility has become the first criterion of the aesthetic of downloadables forms.
This program is designed to explore new formats compatibles now developed by the artists in a global networked culture.
Suspended spaces is an independent collective, set up above all with the desire to work together and with other artists and international researchers. It exists since 2007. It is based in Paris, Caen, Berlin.
Jan Kopp was born in 1970 in Frankfurt and lives in Paris and Rome. He is represented by the gallery Marion Meyer (Paris). He has exhibited in 2011 at the Abbey of Maubuisson and in 2012 at at the CRAC Alsace, the Fresnoy, the Collège des Bernardins (Paris), the Frac Alsace. Jacinto Lageira is a philosopher, professor in Aesthetics at the Université de Paris 1 (Panthéon-Sorbonne). Daniel Lê was born in 1961 in France, he lives in Paris. He is an artist and teaches visual arts at the Université Picardie Jules Verne (Amiens, France). Françoise Parfait is professor of visual arts and new media at the Université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne, and an artist. Eric Valette is a lecturer in visual arts at the Université Picardie Jules Verne (Amiens, France) and an artist. He lives in Paris. websiteAre also members of the association Suspended spaces, Kader Attia, Marcel Dinahet, Maïder Fortuné, Valérie Jouve.
L’association C-E-A / Commissaires d’exposition associés conduit une action d’information et de promotion de l’activité de commissaire d’exposition sur le territoire français et vers l’international afin de développer les opportunités de travail pour ses professionnels. Elle élabore, en concertation avec les partenaires publics, des modalités de diffusion au niveau territorial, national et international, du savoir-faire des commissaires résidant en France. Ainsi, elle entend susciter chez les prescripteurs du monde artistique et culturel le désir de créer des dispositifs permettant aux commissaires d’exposition de développer et mettre en œuvre leurs projets avec les artistes (bourses, résidences, appels d’offre, etc.).
Dans cette optique ses objectifs sont les suivants:
> Fédérer les commissaires pour constituer une force de proposition auprès des instances décisionnelles, des organismes publics et des institutions de coopération internationale ;
> Structurer l’activité du commissariat d’exposition pour, aux côtés des autres corps de métiers qui le constituent, participer au mouvement de structuration du champ des arts plastiques ;
> Rendre visible l’action des commissaires d’exposition en France ;
> Initier et conduire des projets susceptibles de développer l’activité des commissaires en France et celle des commissaires résidant en France en direction de l’international ;
> Nourrir une réflexion sur les paramètres et les enjeux du commissariat d’exposition.
L’École du MAGASIN, fondée en 1987, constitue le pôle de formation du MAGASIN – Centre National d’Art Contemporain. Premier programme de formation aux pratiques curatoriales en Europe, elle est conçue pour procurer un environnement professionnel associant rigoureusement recherche et pratique. Durant neuf mois, les participants sont immergés dans l’environnement du centre d’art, bénéficiant ainsi d’une approche concrète des pratiques curatoriales et d’un cadre professionnel pour l’organisation de leur projet. En constante réflexion, l’École interroge le devenir des pratiques curatoriales et accompagne les jeunes professionnels de l’art face aux enjeux auxquels ils sont confrontés.
Independent Curators International (ICI) produces exhibitions, events, publications, research and training opportunities for curators and diverse audiences around the world.
Established in 1975, ICI is a unique organization that focuses on the role of the curator as a contextualizing force for contemporary art, and one that develops infrastructure for contemporary artists and art discourse in different contexts throughout the world. ICI connects emerging and established curators, artists, and art spaces, into collaborative networks that are relevant regionally and inscribed within an international framework.
In an age when installations, art environments, ‘scatter art’ and large-scale mixed media works are the norm, the traditional confines of the museum and art gallery spaces are continually under scrutiny. As a natural consequence, the methods of displaying art have transformed, but as three specialists in their field acknowledge here, historically there was more to a museum display than crowded pictures and pot plants, and this history is worth bearing in mind today.
Slavs and Tatars is a faction of polemics and intimacies devoted to an area east of the former Berlin Wall and west of the Great Wall of China known as Eurasia. The collective’s practice is based on three activities: exhibitions, books and lecture-performances.
Since the end of the avant-gardes, or the beginning of postmodernism, contemporary art has taken countless directions, with no hierarchy. This has allowed for a certain equilibrium in the development of a great variety of artistic, as well as critical and curatorial, talents. It seems to me that this balance is dangerously challenged by the ever-increasing intervention of major players from the commercial sphere. For them, art is at once a device that enables tax relief but mostly, a marketing tool. Alongside the rise of the figure of the artist as curator, this interventionism contributes to establishing the domination of only one of the numerous currents of art today. This current is at crossroads between conceptual art, abstraction and design. Albeit very honourable, this wave produces artworks which are knowingly devoid of societal commentary and allows for the application of any discourse. The promoted artworks, and the artists themselves, are then reduced to being notes on a musical score written by others. This shift is global and follows the move towards planetary standardisation of modes of consumption wanted by the big players in the commercial sector who are always seeking large scale economies.
Museumsandtheweb.com is a collaborative space for professionals creating culture, science and heritage on-line, hosted by the Museums and the Web team.
Voici quarante ans que furent créés les départements d’arts plastiques dans les universités françaises, ouvrant un espace pour une spécificité méthodologique, distincte des sciences de l’art, de l’histoire de l’art ou de l’esthétique, revendiquant une recherche par et pour la pratique. De 1998 à 2010 en Europe, le processus de Bologne a uniformisé l’espace de l’enseignement supérieur notamment à travers la réforme Licence – Master – Doctorat, dite LMD. Dans ce contexte, certaines écoles d’art ont mis en place des cycles de recherche en art et en design, alors ne décernant pas de diplômes.
How do you auction an algorithm? Or hang an Instagram portrait? Would Dali have loved VR? Four pioneering digital art gallerists, discuss all this and more in a live group chat, chaired by CNN Style’s guest editor Art Basel Global Director Marc Spiegler.
Qu’attendons-nous des expositions, notamment dans le contexte des cultures post-numériques ? VERSIONS est un premier atelier-colloque international de pratique, discussion et critique pour expérimenter et discuter des formes d’exposition, du 5 au 16 septembre à la Maison Populaire de Montreuil. À l’inverse d’une démarche curatoriale partant d’une proposition donnée pour déployer des œuvres, Versions part des propositions des acteurs eux-mêmes, pour une expérimentation par la pratique des « conditions de possibilité » de l’exposition. Les participant·e·s interviennent en trinôme pendant deux semaines d’atelier, dont deux journées ouvertes de discussion auxquelles le public est invité sur réservation pour échanger avec les participant·e·s sur la question « Qu’attendons-nous des expositions ? ».
Versions - first session with Yuk Hui, Jan Kopp and Mathilde Roman
Versions - first session with Yuk Hui, Jan Kopp and Mathilde Roman
Versions - first session with Yuk Hui, Jan Kopp and Mathilde Roman
Versions - first public panel "What do we expect of the exhibitions?" on September 7th with Yuk Hui, Jan Kopp, Mathilde Roman, Eli Commins, Claire Malrieux, Jean Cristofol, Ann Stouvenel and the participating audience
Versions - first public panel "What do we expect of the exhibitions?" on September 7th with Yuk Hui, Jan Kopp, Mathilde Roman, Eli Commins, Claire Malrieux, Jean Cristofol, Ann Stouvenel and the participating audience
Versions - second session with Claire Malrieux, Jean Cristofol and Ann Stouvenel
Versions - second session with Claire Malrieux, Jean Cristofol and Ann Stouvenel
Versions - second session with Claire Malrieux, Jean Cristofol and Ann Stouvenel
Versions - second session with Claire Malrieux, Jean Cristofol and Ann Stouvenel
The Displays students-researchers: Gaspard Bébié-Valérien, Thomas Cheneseau, Pauline Gourlet and Dorian Reunkrilerk
Versions - third session with Milad Doueihi, Laura Gozlan and Véronique Souben
Versions - third session with Milad Doueihi, Laura Gozlan and Véronique Souben
Versions - third session with Milad Doueihi, Laura Gozlan and Véronique Souben
Versions - second public panel "What do we expect of the exhibitions?" on Sept. 14th with Milad Doueihi, Laura Gozlan, Véronique Souben, Marion Zilio, Martin John Callanan, Guilhem Pratz, Pau Waelder
Versions - fourth session with Martin John Callanan, Guilhem Pratz and Pau Waelder
Versions - fourth session with Martin John Callanan, Guilhem Pratz and Pau Waelder
Les 5 et 6 septembre, premier atelier avec Yuk Hui, philosophe, chercheur associé à l’Institut de Culture et d’Esthétique des Médias Numériques de l’Université Leuphana à Lüneburg, Jan Kopp, artiste, enseignant (ESACM Clermont-Ferrand), Mathilde Roman, critique, curatrice et enseignante-chercheuse au Pavillon Bosio – École Supérieure d’Arts Plastiques de la ville de Monaco et l’équipe de Displays.
Le 7 septembre, discussion publique « Qu’attendez-vous des expositions » avec Eli Commins, artiste, chargé de la coordination de la politique numérique au Ministère de la Culture et de la Communication, Jean Cristofol, philosophe et enseignant-chercheur à l’ESAA Aix-en-Provence, Yuk Hui, philosophe, chercheur associé à l’Institut de Culture et d’Esthétique des Médias Numériques de l’Université Leuphana à Lüneburg, Jan Kopp, artiste, enseignant (ESACM Clermont-Ferrand), Claire Malrieux, artiste, enseignante (Beaux-arts Hauts-de France) et chercheuse EnsadLab, Mathilde Roman, critique, curatrice et enseignante-chercheuse au Pavillon Bosio – École Supérieure d’Arts Plastiques de la ville de Monaco, Ann Stouvenel, curatrice et responsable des arts visuels à Mains d’Œuvres.
Les 8 et 9 septembre, deuxième atelier avec Jean Cristofol, philosophe et enseignant-chercheur à l’ESAA Aix-en-Provence, Claire Malrieux, artiste, enseignante (Beaux-arts Hauts-de France) et chercheuse EnsadLab, Ann Stouvenel, curatrice et responsable des arts visuels à Mains d’Œuvres et l’équipe de Displays.
Les 13 et 13 septembre, troisième atelier avec Milad Doueihi, historien et titulaire de la chaire d’humanisme numérique à l’université de Paris-Sorbonne, Laura Gozlan, Véronique Souben, historienne d’art, curatrice et directrice du FRAC Haute-Normandie et l’équipe de Displays.
Le 14 septembre, discussion publique « Qu’attendez-vous des expositions » avec Martin John Callanan, artiste, Milad Doueihi, historien et titulaire de la chaire d’humanisme numérique à l’université de Paris-Sorbonne, Laura Gozlan, artiste, Guilhem Pratz, réalisateur et producteur, Véronique Souben, historienne d’art, curatrice et directrice du FRAC Haute-Normandie, Pau Waelder, critique et curateur, Marion Zilio, critique, curatrice et directrice du salon Young International Artists.
Les 15 et 16 septembre, quatrième atelier avec Martin John Callanan, artiste, Guilhem Pratz, réalisateur et producteur, Pau Waelder, critique et curateur et l’équipe de Displays.
Un évènement co-organisé par le groupe de recherche Displays, EnsadLab – Laboratoire de recherche de L’EnsAD, coordonné par Thierry Fournier (artiste, curateur, enseignant EnsadLab et Ensad Nancy) et J. Emil Sennewald (critique d’art, journaliste, enseignant Esacm et EnsadLab), et le labex ICCA. Étudiants-chercheurs EnsadLab Displays : Gaspard Bébié-Valérian, Thomas Cheneseau, Dorian Reunkrilerk, chercheuses associées Pauline Gourlet (designer et doctorante Univ. Paris 8) et Rahaf Demashki (graphiste et artiste, doctorante à l’Université de Rennes 2). Merci à Annie Agopian, Floriane Benjamin, Marie Koch, Vladimir Demoule et l’équipe de la Maison Populaire de Montreuil.
Can our inner thoughts be transmitted by our eye movements? Can our future actions be predicted by our current behavior? Julien Prévieux’s film Patterns of Life enacts more than a century of evolving technologies in tracking human behavior, from reorganizing the factory floor to today’s “activity-based intelligence” in the “war on terror.”
EnsadLab Displays a le grand plaisir d’accueillir ses nouveaux étudiants-chercheurs pour l’année 2016-2017 : Gaspard Bébié-Valérian (artiste et curateur, co-responsable de Oudeis, Le Vigan), Thomas Cheneseau (artiste et curateur), Dorian Reunkrilerk (chercheur en art et design, co-fondateur du projet ACA).
Publication : Thierry Fournier, J. Emil Sennewald et Pauline Gourlet, Recherche par l’exposition et condition post-numérique, Proteus Journal #10, Le Commissariat comme forme de recherche [en ligne], publié le 10 juillet 2016. La version anglaise de cet article sera publiée le 5 septembre 2016.
Abstract
Nous considérons que l’exposition comme forme de recherche doit être abordée dans le contexte d’une condition post-numérique, caractérisée par une présence désormais généralisée du numérique et du réseau. Nous développons dans cet article l’incidence de cette condition, en montrant comment elle a déplacé la question du commissariat vers le curatoriat et la curation et comment elle a transformé les interactions entre acteurs, objets et espaces et déplacé les méthodes. Plutôt que le seul commissariat, nous proposons alors d’aborder la notion d’exposition comme « pratique cognitive » qui provoque la pensée plutôt qu’elle ne la représente. Une recherche par l’exposition vise une émancipation de ses acteurs en plaçant ses composantes en situation transductrice : sujets, contextes, objets, espaces et dispositifs.
Sous l’emprise de l’industrie culturelle contemporaine, alors que les institutions, marchands et politiques cherchent à maximiser le profit symbolique de la culture, que les technologies numériques deviennent le quotidien de la « médiation » en art et de la muséographie, que les territoires du pouvoir de définition sont renégociés entre acteurs culturels et scientifiques sous le terme de « recherche », il devient capital de poser la question des conditions. Conditions de la recherche, de la culture, de l’exposition, qui sont largement remodelées par l’omniprésence du numérique et d’internet, qui ne sont pas arrivés à leur fin, mais, comme l’a formulé si justement l’artiste Hito Steyerl, « is all over ». Après les utopies, promesses et idéologies des « nouvelles technologies », après l’ubiquité du numérique, après l’économie de l’expérience et de la capture attentionnelle, après enfin que la sphère culturelle ait été transformée de manière fondamentale pour devenir un processus qui se regarde soi-même en train d’agir, comment peut évoluer la pensée des expositions et comment le commissariat peut-il constituer une forme de recherche ?
Pour limiter le champ d’analyse de cet article, nous nous concentrerons ici sur les expositions en art. Nous tenterons de définir ce qui caractérise une condition post-numérique et ce qu’elle a déjà changé aux processus d’exposition. Nous aborderons ensuite ce que serait une recherche par l’exposition, puis nous tenterons de dessiner les enjeux d’une pensée par l’exposition et en quoi elle serait redéfinie par une condition post-numérique. Nous interrogerons enfin les possibles réappropriations de ces dispositifs : comment les artistes et les commissaires peuvent-ils proposer une expérience émancipatrice ?
Dans le cadre d’une série de conférences sur l’art contemporain et sa critique, J. Emil Sennewald intervient au département d’histoire de l’art, Ruhr-Université Bochum. Sujet de sa conférence : « After post-digital writing – für eine Kritik im Zeitalter des Digitalen ». Il y développe notamment l’impact du digital sur la notion d’exposition et les conséquences de cela pour les pratiques artistiques et critiques.
Image : cage d’escalier de la bibliothèque de l’université du Ruhr à Bochum, avec une œuvre de Heinz Kasper en 2012, (c) photo : Marion Nelle
Lieu de mémoire, s’il en est, le musée semble paradoxalement assez démuni lorsqu’il s’agit d’appréhender et d’entretenir sa propre histoire. Certes, beaucoup d’institutions ont entrepris d’écrire des ouvrages relatant les étapes franchies depuis leur création, en revanche l’archivage des éléments relatifs aux expositions est plus incertain. Phénomène relativement récent dans l’histoire des institutions, l’exposition temporaire rencontre un public de plus en plus averti et engage des corps de métiers de plus en plus spécialisés. L’historien comme le muséologue ne trouve souvent que des traces lacunaires, voire inexistantes, lorsqu’il s’agit de revenir sur des expositions temporaires après leur tenue. Pourtant cela n’intéresse pas seulement ceux qui entendent rendre compte des évolutions, mais aussi les professionnels qui peuvent trouver dans l’archivage des informations relatives aux expositions une connaissance approfondie des méthodologies, de l’évolution des métiers et accroître leur savoir faire en même temps que leur culture de l’exposition. Si durant longtemps, peu de documents formalisés existaient, il n’en est plus de même alors que les méthodes de conception des projets s’affinent et que la règle des marchés publics impose des étapes identifiées.
Based in Kassel, Germany, Fridericianum is a central hub of contemporary art. Significant positions and artistic currents as well as socially relevant issues are identified, presented and debated here. Experimental and well-researched group and solo exhibitions, screenings and performances, conferences and symposia highlight the spectrum of contemporary art and discourse.
We know that museums the world over are incredibly popular, but how do we keep the visitors coming? In a globalised world the question of what art should be exhibited and collected seems increasingly pertinent. As early as 1909, Theodor Volbehr, in his book The Future of German Museums, saw their function as ‘popular education centres in the broadest sense’. This ideology remains, to a degree, but as both art and audiences change, so too must museums reflect this. One commentator maintains that the museum has been transformed from ‘a restrained container to exuberant companion’, reflecting how they are as much about looking and learning as they are social and civic spaces. In recent years, especially during periods of expansion, adaptation and transformation, they have variously been described as a ‘laboratory of ideas’, ‘a total work of art’, ‘temples of delight’, ‘a place for intoxication’ and even a ‘21st-century medina’. So what kind of museum do we want for our future?
Hans Ulrich Obrist est probablement un des commissaires d’exposition les plus influents du monde de l’art. La légende veut qu’il ait commencé son activité en 1990 par une exposition dans sa cuisine, idée venue à la suite d’une discussion avec l’artiste français Christian Boltanski. Depuis, Obrist organise des expositions, des biennales, écrit des livres, fait des entretiens… et s’autocélèbre. Si sa dernière exposition en date Take Me (I’m Yours) est dénuée de tout intérêt d’un point de vue artistique et curatorial, elle a le mérite de rendre totalement transparent le système Obrist.
Helgard Haug, Stefan Kaegi, and Daniel Wetzel have been working as a team since 2000. They work in the area of theater, a team of author-directors. Their work in the realm of theater, sound and radio plays, film, installation emerge in constellations of two or three and solo as well. Since 2002, all their works have been written collectively under the label Rimini Protokoll. At the focus of their work is the continuous development of the tools of the theater to allow for unusual perspectives on our reality.
À partir d’une base de données (lexique, mots clés, écrits, propos recueillis) constituée depuis plusieurs mois, ce texte fait état de mes échanges (téléphoniques, skype, mails) et rencontres avec quatre artistes regroupés à l’occasion de cette invitation éditoriale proposée par thankyouforcoming. Le dialogue et la complicité avec leur travail nourrissent cette réflexion, prémisse d’une série de textes à venir sur une histoire des formes revisitée à partir de l’usage des nouvelles technologies. Empruntant le terme de « kit mains libres », équipement qui peut être utilisé sans l’usage des mains, cette analyse critique est portée par la notion de display 1 afin d’explorer des dispositifs scénographiques, tant originaux que partagés (configuration / aménagement / agencement d’objets et de matériaux).
Entre critique, fonction, décoration et design, ces problématiques liées à l’objet sont au cœur de nombreuses recherches, expositions ou écrits depuis quelques années. De l’usage à la contemplation de l’objet, de la mise en exposition de l’objet à sa représentation, une multitude de paradoxes furent relevés. Ces mises en espace semblent questionner, tant la circulation des objets que leur valeur scénographique et décorative (oeuvre-exposition / oeuvre-emballage / œuvre-test). Aussi, depuis ce printemps, le programme Displays / EnsadLab, coordonné par Thierry Fournier (artiste et curateur) en collaboration avec J. Emil Sennewald (critique et journaliste), a pour vocation de questionner et expérimenter le devenir des formes d’exposition dans ce contexte des cultures numériques. Dans le cadre de ces rencontres, artistes et chercheurs interrogent les espaces d’exposition et de son rapport à la diffusion des images des expositions… comment évolue la spécificité d’expérience des expositions ? Quelles formes s’inventent-elles dans un dialogue entre espace réel et réseau ? Comment lier espaces collectifs de l’exposition et pratiques individuelles du web ? Comment mettre en œuvre une critique et une émancipation vis-à-vis des logiques de l’économie de l’attention ?
À l’aune de la démocratisation du web, de l’apogée des réseaux sociaux et des applications, notre accès illimité à la connaissance et la vente en ligne façonnent, depuis quelques années, de nouvelles approches théoriques et esthétiques. Aussi, il est à noter que certaines pratiques historiques et émergentes sont regroupées autour du terme de bricologie, rassemblant les mots « bricolage » et « technologie », titre de l’exposition conçue à la Villa Arson – Nice (visible jusqu’au 31 août 2015).
Comment évoluent les attentes et les pratiques des spectateurs ? Le 4 juin 2015 à l’Ensad.
Avec Eli Commins (auteur et metteur en scène, chargé de la coordination de la politique numérique, DGCA, Ministère de la Culture), Nathalie Candito (responsable de l’évaluation, Musée des Confluences, Lyon), Raphaële Jeune (commissaire d’exposition, Art to be) et François Mairesse (muséologue, professeur à l’Université Paris 3, CERLIS / ICCA). Modérateurs : Thierry Fournier (artiste, curateur et chercheur, responsable du projet Displays, EnsAD) et J. Emil Sennewald (critique et journaliste, enseignant, co-coordinateur du projet).
Comment évoluent les attentes et les pratiques des spectateurs, la distribution (ou le recouvrement) des rôles entre artistes, commissaires, critiques, muséographes, scénographes ? Comment le relier au contexte de la critique institutionnelle ? Comment expérimenter avec et en présence du public ? Quels sont les objectifs et enjeux de la participation et notamment des réseaux sociaux dans les musées et les expositions ?
Comment évoluent l’espace et les lieux de l’exposition ? Le 29 mai 2015, Ensad.
Avec Jean Cristofol (philosophe et chercheur, ESA Aix-en-Provence, Mari Linnman (commissaire d’exposition, Nouveaux Commanditaires, Contexts, Paris) et Pau Waelder (critique, commissaire d’exposition et chercheur, Palma de Mallorca). Modérateurs : Thierry Fournier (artiste, curateur et enseignant) et J. Emil Sennewald (critique d’art, journaliste et enseignant), coordinateurs du groupe de recherche Displays.
Comment évoluent l’espace et les lieux de l’exposition ? Une partie importante de l’accès à l’art et à la culture s’effectuant désormais en ligne, comment évolue la spécificité d’expérience des expositions ? Quelles formes s’inventent-elles dans un dialogue entre espace réel et réseau ? Comment lier espaces collectifs de l’exposition et pratiques individuelles du web ? Comment mettre en œuvre une critique et une émancipation vis-à-vis des logiques de l’économie de l’attention ? Comment qualifier les relations entre musées, expositions en ligne et bases de données ?
Comment évoluent les objets de l’exposition ? Lundi 30 mars 2015, Mac Créteil.
Avec Inke Arns (commissaire d’expositions, directrice du Hartware MedienKunstVerein, Dortmund), Charles Carcopino (commissaire d’exposition, festival Exit et MAC Créteil), Marc-Olivier Gonseth (conservateur du Musée d’Ethnographie de Neuchâtel), Emmanuel Mahé (directeur de la recherche de l’EnsAD), François Mairesse (professeur à l’Université Paris 3, CERLIS / ICCA), Claire Malrieux (artiste et enseignante à l’Ensci, Paris) et Omer Pesquer (concepteur muséographique, enseignant à l’Université Paris 3). Modérateurs : Thierry Fournier (artiste, curateur et enseignant) et J. Emil Sennewald (critique d’art, journaliste et enseignant), coordinateurs du groupe de recherche Displays.
Comment évoluent les objets de l’exposition : des objets physiques et des œuvres vers les gestes, les situations performatives, expérimentations et processus ? Les éditions numériques, les formes mobiles, le réseau, la reproductibilité et la simulation bouleversent-ils les formes curatoriales ? Comment les expériences de co-création muséographique peuvent-elles s’exercer en art ? Quelles approches critiques appellent ces nouveaux objets ?
Partenaire du projet, la MAC Créteil accueille Displays à l’occasion du festival Exit dans son nouvel espace d’expérimentation MAC Plus.
Displays a organisé trois rencontres publiques au printemps 2015. Elles ont pour objectif de lancer le projet, identifier les problématiques, questionner les réalités et de créer des outils pour la suite. Elles constitueront dans le même temps un premier terrain de discussion et de préfiguration des trois thématiques principales et de collaboration avec les invités. Une publication numérique sera éditée suite à ces rencontres, comme outil de documentation, de travail et de développement.
L’Extension is an experimentation, creation and research laboratory. It seeks to place art as a ground for thought, in order to produce new experiences and establishing analytical encounter situation in terms of critical and curatorial wider activities, such as publications, meetings, events, residencies, workshops and exhibitions.Within a cartographic method, the studio aims to define the outlines of emergent art, diagnose the production process of contemporary art, working on artistic endeavour, as well as producing tools for a better understanding of artistic creation’s context by the public.Located in Belleville neighbourhood and the 20th arrondissement of Paris, L’Extension provides a platform of meetings and experiences linked to its specific environment. It also aims to fill a lack of cultural access and to bridge a various and large public to contemporary art trough many accessible activities. International protagonists’ involvement in the project enables L’Extension ambitions to reach a larger dimension.It is looking forward to yield a multidisciplinary thought imbued in different knowledge field being contemporary art, literature or history of the art, but also anthropology, economic, political, physical or social sciences…
Né en 2012 de la rencontre d’une architecte, Valeria Cetraro et d’un photographe, Edouard Escougnou, DERIVA est un laboratoire consacré au commissariat d’exposition et à la promotion d’artistes émergents. L’art est pour DERIVA une mise en relation, un discours, un dialogue, dans lequel différentes trajectoires se croisent pour créer des expériences sensibles et intellectuelles. Le dialogue existe, entre les œuvres, entre les artistes, entre le public et les œuvres. Tout dialogue créatif contient échange, questionnement, affirmation, analyse, sensibilité, partage, accord ou désaccord. Par le biais de son activité curatoriale, le travail de DERIVA veut favoriser ce dialogue, parfois l’inventer, parfois le susciter ou le découvrir.
Colloque « Expérimenter le musée » le 20 juin 2014 à l’Ensad dans le cadre de EnsadLab / Diip, organisé par Emmanuel Mahé, directeur de la recherche, et Thierry Fournier, artiste, curateur et enseignant-chercheur.
Comment expérimenter au musée, ou comment expérimenter le musée – autant pour ceux qui les animent que pour ceux qui les pratiquent ? Jusqu’où peut-on essayer, prendre des risques, commettre des erreurs, comme concepteur mais aussi comme visiteur ? Comment mettre en œuvre dans le temps, dans l’espace et dans l’organisation, les conditions spécifiques d’une innovation et d’une invention collective ? Une publication a été créée en temps réel pendant la rencontre. Conçue et réalisée par l’équipe de g-u-i avec Lucile Haute, Tom Huet et Jean-François Robardet, elle a été finalisée dans le mois suivant la journée d’études et publiée sur Lulu.com. Cette expérience innovante prolonge ainsi la notion d’expérimentation dans le champ éditorial. Liens : www.g-u-i.net
Participants
Conçue comme une journée intensive de discussions et d’échanges entre les invités et un public délibérément limité, elle réunissait Samuel Bausson (co-fondateur du projet Muséomix), Abla Benmiloud-Faucher (responsable partenariats, direction des partenariats culturels, Orange), Xavier Boissarie (fondateur de Orbe et enseignant, Paris), Noémie Breen (chef d’unité conception et production multimédia, Musée du Louvre, Paris), Nathalie Candito (responsable du service des éditions et de la valorisation, Musée des Confluences, Lyon), Anne Lamalle (directrice de projets culturels et numériques / RMN, Louvre, Louvre-Lens, Jean-Pascal Marron (chef de projet multimédia, Nîmes Métropole), avec Emmanuel Mahé et Thierry Fournier.
Protocole : trois espaces pour une publication en direct
Pour permettre la création de la publication dans le même temps que la discussion, la journée d’étude est répartie en trois espaces :
Colloque
La journée d’études a été exclusivement consacrée à des échanges libres autour de questions choisies, le public peu nombreux étant invité à participer aux débats. Chacun avait pu prendre préalable connaissance des activités des invités, afin d’entrer directement dans le vif du sujet. L’absence de de keynote ou de vidéoprojection permettait de privilégier les discussions. Les invités partagent une table en « U » tournée vers le public. Quatre écrans dispersés dans la salle donnent à voir l’élaboration de la publication en direct, dans la pièce voisine.
Espace d’édition
Relié à l’espace de conversation par une retransmission audio, un secrétaire prend en note les notions abordées. Ces notes sont ensuite réparties entre trois postes de modeleurs qui vont en proposer une représentation. En fin de processus, un éditeur sélectionne les représentations, réécrit la note prise pour en faire une légende et recompose ligne par ligne la séquence de discussion.
Espace de restitution
Une sélection de modelages et le chemin de fer de la publication sont exposés aux participants et spectateurs, à la fin de la journée.
Réalisée en direct pendant la journée d’études, cette publication propose un compte rendu sélectif de ses discussions. Cette expérience innovante prolonge ainsi la notion d’expérimentation dans le champ éditorial. Un fil vertical associe des phrases-clefs notées au vol, une sélection issue du live tweet, des photographies et des modelages en plasticine figurant des concepts ou situations. Sa consultation peut être accompagnée de l’écoute du verbatim audio, ci-dessous.
Verbatim audio de la rencontre
Écouter l’ensemble des discussions de la journée d’études, chapitré par les différentes questions abordées.
Présentations générales
Expérimenter le musée
Quelles expériences de rupture ?
Où est l’expérimental ?
Quel rôle pour les artistes ?
Introduction après-midi
Quels modèles de collaboration ?
Quel espace existe-t-il pour les erreurs ?
L’expérimentation juridique
Comment évaluer les expérimentations
Conclusion : de quoi peut-on rêver ?
Organisateurs et modérateurs
Emmanuel Mahé, directeur de la recherche Ensad http://www.ensad.fr
Thierry Fournier, artiste, curateur et enseignant-chercheur (EnsadLab, Ensa Nancy, Sciences Po), http://www.thierryfournier.net
Benoît Verjat (artiste, designer et étudiant- chercheur à EnsadLab), Tanguy Wermelinger (éditeur et designer tanguywermelinger.com), Nicolas Couturier, Bachir Soussi-Chiadmi, Angeline Ostinelli, Sarah Garcin, Julien Gargot (designers, g-u-i.net), Tom Huet (scénographe et concepteur lumière et étudiant-chercheur à EnsadLab, tomhuet.com), Anne Sophie Milon (illustratrice et animatrice, anne-sophie-milon.com), Hélène Bertin (artiste).
Tirant argument d’une observation attentive et décalée du lieu où elle s’inscrit, l’exposition « Vous aussi vous avez l’air conditionné » opère un rapprochement entre la notion de conditionnement et l’air conditionné, équipement incontournable des grands bâtiments du monde entier. Manipuler l’air, le dompter pour s’affranchir des contraintes du climat, le défi auquel répond l’air conditionné a inspiré à plusieurs générations d’architectes et d’artistes, des réflexions radicales et des projets utopiques associant prouesse technologique et émancipation, dématérialisation de l’architecture et bouleversement des coordonnées sociales autant que spatiales. Un premier axe se dessine dans l’exposition par le biais d’oeuvres qui prolongent et actualisent cette filiation (Berdaguer et Péjus, Chourouk Hriech) ou qui l’évoquent plus indirectement (Alexandre Gérard, Véronique Rizzo, Marc Quer). Répondant au double sens du titre, les autres oeuvres renvoient parallèlement aux différents sens et phénomènes couramment associés à la notion de conditionnement, qu’on y entende le traitement des matériaux (Nicolas Momein) ou le modelage des esprits et des corps (Olivier Dollinger, Alain Rivière), l’influence du langage (Anne-James Chaton) et des images véhiculées par les médias et la culture de masse (Arnaud Maguet). Comme le suggère la tournure affirmative de la formule-titre, l’air conditionné se fait la métaphore d’une condition commune à partir de laquelle chacun, construisant son propre parcours dans l’exposition, pourra interroger les différents « conditionnements » physiques, psychologiques et culturels qui configurent son expérience personnelle. Ainsi, la notion de conditionnement peut-être envisagée non plus seulement comme ce qui nous influence malgré nous, mais comme l’environnement au sens large que nous partageons avec d’autres – de l’air que nous respirons aux représentations collectives – et au contact duquel se forge la dimension singulière de chaque identité.
As a part of a series of interviews with curators and museographers, Alejandro Sordo Guzmán, our Contributing Writer in Mexico City, interviews renowned museographer Ery Cámara, one of the main specialists in the field. Their dialogue sheds light on the role of the museum in society and the importance of the public in the development of its programs. To borrow Ery’s words, “museums are unfinished institutions,” and a dialogue between audiences and these institutions must be established for them to grow and continue to adapt to our needs.
At last Art Basel, I had the chance to see Il Tempo del Postino at Theatre Basel. The Independent called this unique show “The world’s first visual arts opera” after its first and only presentation at the Manchester International Festival in 2007, for which a group of the world’s leading visual artists created a major experimental presentation.
1. Affectivity -This term designates a relation between an individualized being and the pre-individual milieu; it is thus heterogeneous to individualized reality. This is why Simondon claims that a…
This article deals with the intervention of contemporary artists in order to create themselves museography of exhibitions. Through the presentation of three study cases in society museums, the author shows what exhibitions language should get out of this artistic work, in both aspects of form and content – humorous, provocative or distant approach – even if the exhibition display could also be inspired by classical museal forms.
L’École du MAGASIN, fondée en 1987, constitue le pôle de formation du MAGASIN – Centre National d’Art Contemporain. Premier programme de formation aux pratiques curatoriales en Europe, elle est conçue pour procurer un environnement professionnel associant rigoureusement recherche et pratique. Durant neuf mois, les participants sont immergés dans l’environnement du centre d’art, bénéficiant ainsi d’une approche concrète des pratiques curatoriales et d’un cadre professionnel pour l’organisation de leur projet. En constante réflexion, l’École interroge le devenir des pratiques curatoriales et accompagne les jeunes professionnels de l’art face aux enjeux auxquels ils sont confrontés.
